14 fotógrafos de retratos a los que seguir en Internet para inspirarnos y aprender

Source: IBearts

Ver fotos es una de las lecciones indispensables. Así que para aquellos que os gusten los retratos, que queráis mejorar o, simplemente, los que os gusta descubrir autores y disfrutar de maravillosos retratos, vamos repasar a 14 fotógrafos actuales para inspirarnos y aprender. Son diferentes, estilos opuestos en algún caso, pero todos ellos comparten sus trabajos en la red para nuestro disfrute. 

  Jessica Chastain, por Joey L.

Jessica Chastain, por Joey L.

El canadiense Joey Lawrence es joven y con talento. Y toda una estrella en esto de los retratos. Su especialidad que le ha llevado a convertirse en un referente para muchos. Su peculiar estilo, cuidando al máximo los detalles (especialmente iluminando muy bien), consiguiendo unos resultados de una calidad sin paliativos (otra cosa es que sus retratos nos transmitan y nos lleguen) le ha llevado a poseer un prestigio consagrado.

Tanto como para abrir escuela y enseñar como iluminar o retocar en su web de tutoriales. Su estilo cinematográfico lo ha llevado a fotografiar a grandes estrellas de Hollywood, pero también realiza retratos de viajes, como la foto que encabeza este post (eso sí, siempre con un equipo detrás que solo los grandes profesionales se pueden permitir).

  What we are…, por Lee Jeffries

What we are…, por Lee Jeffries

El británico Lee Jeffries es otro popular fotógrafo reconocido por sus potentes y conmovedores retratos de gente sin hogar. Como nos contó en una entrevista, su selección de protagonistas es relativamente fácil, simplemente en cuanto ve a alguien en la calle sabe al instante que es el adecuado.

Trabajar con personas en estas circunstancias requiere un tacto y una sensibilidad especial. Jeffries charla con ellos, se gana su confianza, se preocupa por su situación. Y solo después, y si la persona accede, le realiza el retrato. Luego Jeffries aplica su personal estilo en el post-procesado. Excesivo para muchos, pero impactante en los resultados y logrando retratos (habitualmente en blanco y negro) que no dejan indiferentes, llenos de fuerza (que le han llevado a ser una de las estrellas de 500px y ganar algunos premios, así como aparecer en numerosas publicaciones).

  Brandon Stanton

Brandon Stanton

Retrato en Win Homeless Shelter for Women And Children, por Brandon Stanton

Este estadounidense saltó a la fama por el enorme éxito de su proyecto:Humans of New York. Un trabajo que lleva años cultivando, caminando por las calles de la Gran Manzana y fotografiando a sus habitantes con los que dialoga e intenta extraer su historia.

Ésa es la clave de su éxito, ya que sus retratos no son espectaculares pero sí resulta un trabajo que engancha porque ha sabido empatizar con sus retratados. Stanton ha sido todo un fenómeno que comenzó en Tumblr, pasó por Facebook y acabó en forma de libro con este proyecto tan viral. Merece la pena asomarse y disfrutar con sus historias. Un retrato coral de la Nueva York del siglo XXI.

  Sin título, por Raquel López-Chicheri

Sin título, por Raquel López-Chicheri

Esta fotógrafa española acaba de lograr el segundo puesto nacional en losSony World Photography Awards 2015. Lo suyo son fotografías con sentimiento, especializada en capturar la naturalidad y belleza de la infancia(como ya nos contó en una entrevista) logra retratos llenos de sentimiento.

Es fácil dejarse llevar por su galería que nos traslada a su peculiar mundo habitado por niños. Principalmente en blanco y negro, sus retratos rebosanautenticidad. Muy recomendable.

  Por Josh Wool

Por Josh Wool

Asentado en Brooklyn, Nueva York, Josh Wool realiza retratos pero siempre dentro de la fotografía comercial y editorial, además de moda y belleza. Su trabajo es muy atractivo, un todoterreno del retrato, donde encontramos blanco y negro o color, pero siempre con una gran habilidad para lograr que sus modelos transmitan fuerza con la mirada.

Son retratos muy elegantes, serenos… y lo curioso de Wool es que era chef, profesión que tuvo que abandonar por problemas de salud para reinventarse como fantástico fotógrafo. Empezó con 32 años y solo hace dos que se dedica a ello. Pero sin duda, ha sabido potenciar su talento. Además, utiliza con creatividad distintos formatos, desde digital a Polaroid e incluso ferrotipos. Una exploración técnica en busca de mejores y elegantes retratos.

  Tamara Lichtenstein

Tamara Lichtenstein

Esta joven tejana busca capturar la belleza de la juventud, la feminidad y todo ello con un estilo cercano a la moda, pero no tan comercial. Tiene una mirada muy personal y sus retratos, a menudo de chicas jóvenes como ella, son como un documento de los sentimientos de una generación.

Sus fotografías suelen realizarse al aire libre, con luz natural y parecen momentos naturales (por esa cierta imperfección técnica que muestran), como captados al vuelo (al menos en su mayoría), sin embargo hay un gran trabajo detrás en cuanto a composición y control de la luz que le otorgan su sello personal.

  Por Zack Arias

Por Zack Arias

Este fotógrafo de Atlanta es muy popular en la red. Por su lengua afiliada, su carácter y su popular blog se ha hecho conocido, pero no podemos olvidar su trabajo, principalmente realizando retratos editoriales y comerciales.

Fotografiando a estrellas de la música, Arias es un fotógrafo autodidacta que ha sabido impregnar su trabajo con su enorme personalidad. Gran dominador de la técnica y la iluminación, sus retratos son un buen ejemplo para principiantes. Y sus enseñanzas se pueden encontrar en su Tumblr o en su libro, lleno de respuestas y dudas comunes despejadas con su habitual desparpajo.

  Color Dust II, por Lidia Vives

Color Dust II, por Lidia Vives

Otra jovencísima fotógrafa española que lleva el arte del retrato a otros ámbitos. Lo suyo soncreaciones de sueños, intenta reflejar con sus fotos ensoñaciones, en muchos casos conautorretratos oníricos y con un trabajo de post-producción muy notable.

Sus retratos son conceptuales, para muchos son complejos de entender, pero resultan especialmente llamativos más allá de esa búsqueda de representar temas o sentimientos o simplemente sueños. Sus fotos son muy creativas y sus retratos le han abierto las puertas del mundo profesional a pesar de su juventud.

  Por Chris Schoonover

Por Chris Schoonover

Ubicado en Nueva York, Chris se dedica a la fotografía de retratos, tanto de moda como de viajes. A pesar de haber llegado a la fotografía muy recientemente (en 2013 compró su primera cámara), lo ha hecho con mucho empuje y fuerza. Ha sabido labrarse un camino profesional por su talento, la calidad de sus retratos y, una gran habilidad para utilizar las herramientas del fotógrafo de hoy:Instagram.

Eso sí, también haciendo muchas muchas fotos. De hecho es muy prolíficocomo se puede ver en su portfolio, repleto de series y proyectos. Retratos limpios, elegantes, minimalistas y que impactan, también por su buen uso del color.

 Jack Davison

Jack Davison

Otro jovencísimo talento del retrato, Davison es británico y tampoco ha perdido el tiempo en su corta trayectoria. De hecho, posee un proyecto ambicioso que lo ha encumbrado como ha sidorecorrer 26 estados de EEUU para retratar a sus habitantes. Retratos en blanco y negro, con un excelente trabajo de composición y jugando con el contraste y la yuxtaposición de elementos. Con un estilo y tratamiento que parecen fotografías de otra época.

 Michael Woloszynowicz

Michael Woloszynowicz

Situado en Toronto, Woloszynowicz es además de fotógrafo un gran retocador (faceta que explota impartiendo cursos y tutoriales). Y eso se aprecia enseguida. Sus retratos elegantes son de una calidad incontestable. Composición, iluminación y, por supuesto, muy bien editadas y procesadas. Sin embargo, no encontramos un retoque excesivo, sino ajustado a la perfección para resaltar la belleza de sus modelos y el acabado limpio de las imágenes.

  De la serie One, por Berta Vicente

De la serie One, por Berta Vicente

Otra inspiradora y joven fotógrafa española que ganó en los Sony World Photography Awards 2013 (y ya fue finalista en la edición anterior) en categoría de Retratos (Joven). Es poseedora de unagran madurez artística y es lo que ha encumbrado para conseguir un gran reconocimiento.

Una fotógrafa con las ideas claras, sabe que lo quiere con sus retratos y lo consigue. Son retratos mágicos, llenos de magnetismo. Le fascinan las personas y trata de experimentar y llegar a transmitir sensibilidad y belleza en sus cuidados retratos. Un talento a seguir sin falta.

  Justin, por Brian Ingram

Justin, por Brian Ingram

Brian trabaja en Georgia (EEUU) donde se dedica de lleno a la fotografía de retrato. Desde retratos editoriales bien resueltos a trabajos más elaborados, que le han llevado a aproximar a la moda y la fotografía comercial, llegando a publicar en Vogue Italia, entre otros medios. Trabaja esencialmenteen estudio, con una iluminación muy cuidada tanto en blanco y negro como en color, pero siempre con elevado contraste. Y como se puede apreciar en su galería, los resultados son magníficos.

  Por Valiente Verde

Por Valiente Verde

Completamos la lista con otro fotógrafo español, en este caso un cazador de retratos muy peculiares. Ya sean en bares, tiendas, o en la calle, sus retratos son muy divertidos, ingeniosos y nos muestran mucho más de lo que parece en un primer vistazo. Para él son importantes las localizaciones, el entorno donde captura las imágenes. Tanto como el propio retratado, consiguiendo una conjunción que funciona muy bien.

Busca esos personajes que vemos a nuestro alrededor, algunos interpretan tópicos, pero Valiente consigue que posen con naturalidad delante de su cámara. Son retratos sin muchos alardes, directos y muy frescos. Últimamente, eso sí, experimenta con otro tipo de retratos más elaborados, siempre en su línea, con ingenio, creatividad y muy divertidos.

CHILD CANCER PATIENTS SEE THEIR DREAMS COME TO LIFE IN BEAUTIFUL PHOTOS

February 4, 2016 by Ellyn Kail 

When 12-year-old Jordan was released from the hospital where she was treated for Ewing sarcoma, she came home to her own personal Wonderland, complete with a furry white rabbit. With the support of steady hands, she stood up on her own two feet and refused to sit down, having the time of her life in spite of the pain. Two weeks after her adventure in Wonderland, Jordan died, but her memory remains in Jonathan Diaz’s magical portrait. Anything Can Be is Diaz’s non-profit, dedicated to bringing to life the wildest dreams of pediatric cancer patients through photography.

Diaz was drawn to photography for its ability to lift its subjects from the real world and into an enchanted universe wherein anything seemed possible. His first subjects were his own children, who in turn inspired him to use his talents to help people in need. From there, he reached out to children battling cancer, with the sole intent of giving them a once-in-a-lifetime photo shoot capable of transporting them far away and into another reality.

Cancer, he realized, does little to dull the vivid imagination of children. Each and every child he met had the courage to dream of the future and the will-power to make the world of make-believe seem real. Whether they were acting out who they wanted to be when they grew up or meeting unicorns in enchanted barnyards, they were all given the chance to be exactly who they were, in a place where cancer couldn’t touch them.

From his subjects, Diaz has learned never to give up hope. Even when something seems impossible—be it flying to Mars or living to see another day—it’s always within reach, if only we dare to dream it. For these kids, their fantasies are just as real if not more real than the illnesses they fight, and as grown-ups, the very least we can do is believe.

While Anything Can Be started out as a way of giving back, the children who have participated have given the photographer more than he ever could have anticipated. Says the artist, “This project means everything to me. It has been life changing.” Diaz’s images have been published as True Heroes, alongside stories penned by literary greats in honor of their subjects. Donations can be made here, and anyone may sponsor a child by donating towards costuming and production costshere.

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5 Reasons You Should Give Film Photography a Shot

By: Jason D. Little  Source: Light Stalking

Are you looking for something to reignite your interest in photography? Perhaps you're in search of a new project to tackle for the new year, or maybe you want to expand your skill set in some way. Need something to pull you out of a rut or help you overcome the feeling of boredom you've been experiencing recently? There are, of course, countless solutions to such a dilemma and no solution is less or more valuable than another” it all comes down to what you think will work best for you. I would, however, like to make a suggestion to those who are in search of something new: how about trying something old?

By something old I mean film. Film photography is sometimes scoffed at by digital photographers and I guess I can, to some extent, understand the criticism. But ultimately because that negativity left unchecked might cause an otherwise adventurous digital photographer to miss out on an opportunity to expand their means of creative expression.

With all that in mind, I present to you 5 reasons digital photographers should give film a chance.

Shooting Film Teaches You Discipline

Discipline, in all areas of life, is a virtue. When you're confronted with limitations you're forced to be particularly smart about how you use the resources available to you. A roll of film represents a limitation: typically you get 12, 24, or 36 shots per roll. Each costs and each roll costs to develop. Given the significant shrinkage in demand for film services, the costs can be substantial. This should be seen less as a put-off and more as a call for discipline. You cant afford to waste frames. There is no delete button with film. So it is in your best interest to be more prudent about both what you're shooting and how you're shooting it. The convenience of digital photography might cause some to become lazy with their technique; film will rid you of that lack of discipline.

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Shooting Film Makes You a More Thoughtful Photographer

I suppose this is just another way of saying film slows you down. But thats not a bad thing at all. Too many digital photographers have grown comfortable relying on a run-and-gun method of shooting, hoping to capture a keeper and simply delete the rest. The slowness associated with shooting film is very much related to the idea of discipline mentioned above; its not wise to burn through a whole roll of film with the same frames-per-second induced abandon as you would with a digital camera. With film, the less room for error; you have to slow down, think about your composition and exposure, wait for the scene to unfold in front of you before you press the shutter button. A more measured approach is likely to result in more keepers, something that should be a priority for any photographer, regardless of the medium.

Shooting Film Helps Improve Your Technical Skills

While Ive never placed technical perfection above creativity, the fact remains that knowing how to create a competent exposure is a vital skill. Digital cameras are more than capable of doing most or all of the work for you, which is why some people never learn to shoot in manual mode. With a fully manual film camera, on the other hand, its almost like being in a boat without a lifejacket. Everything better go right or else. In time you will become a master of reading light, which is arguably the most important technical skill any photographer can posses. Achieving proper exposure with a manual film camera may be a unique challenge that will require some experimentation (and possibly lead to the dreaded waste of film), but assuming that you process your own film you will be happy to discover that film can be rather forgiving.

Film Cameras Have Personalities

Its certainly an intangible, non-quantifiable aspect of film photography, but different cameras seem to impart unique qualities to the images they produce. Sure, one could make a similar argument for digital cameras, but those who love film cameras have access to some of the most functionally exquisite and unique devices ever designed. And many of them can be obtained for next to nothing. None of this will make you a better photographer, but the wide wacky assortment of different cameras out there will keep things interesting and won’t burn a hole in your wallet.

You Will Love Films Perfect Imperfections

Just like the cameras mentioned above, different films have different qualities. The particular quirks of a film become more pronounced as it decays and reaches its expiration date. To be sure, expired film is perfectly usable but the results you get can be a bit surprising. Whether its vignetting or extreme color shifts or some other visually perceptible oddity, film is a medium whose aesthetic qualities simply cant be replicated by even the best digital filters and presets. Again, this is mostly about the fun factor of film photography, but whats the point of trying something new if you arent having fun?

One Woman’s Idea to #GivePhotos to the Impoverished

Given the utter ubiquity of photography in the USA, most Americans probably don’t view photography as special. But in impoverished areas around the world, personal photos can be rare. On visits to her birthplace of Kolkata, India, Bipasha Shom frequently took portraits of people she met, and she was struck by how many people lacked access to a camera and had no family photos of her own.

Shom hatched an idea to use instant film to bring photography to these people, and she successfully pitched Fujifilm out of the blue. With donated Instax Wide cameras and film in hand, she recently traveled with her husband Chris Manley (Director of Photography for AMC’s Mad Men) and friend/photographer Julie Black Nicholas to Kolkata and began delivering the gift of photography while sharing the photos through Instagram @givephotos

Although she enjoys taking photos, Shom is not a professional photographer. Yet, her love for photography and her realization of its cultural and personal value led her to pursue this passion project. It’s a good reminder that the value of photography isn’t derived by the pedigree of the photographer. We all own photography. And to the individual who preciously tucks the instant photo into a wallet – grabbing a fleeting glance until the photo is faded and wrinkled – the value is immeasurable.

I interviewed Shom via email.

What is your connection to Kolkata? How often do you go to India?
My parents left Kolkata when I was two years old to settle in the United States. We were the only ones from our family living in the U.S. so we would travel back to India every four years or so to visit relatives. I grew up speaking Bengali at home.

What prompted you to tackle the project now?
My brother was getting married in Kolkata and my children had quite a bit of time off for winter vacation. Also, my husband had a break from his hectic work schedule and could help document the project. A good friend of mine and talented photographer, Julie Black, agreed to accompany us. I had just quit a very stressful job producing a live news radio show. But, it was on that show that we interviewed the director of the film “Siddharth” about a man who was trying to track down his missing son without having any photos of the boy. The idea of giving photos to people was brewing inside me for quite some time and I realized that this would be the perfect opportunity to do it.

What was involved with pitching Fujifilm on the project?
I googled and found an email for an executive at Fujifilm and wrote to him about the project. He forwarded the idea to their marketing department who then contacted me asking for more details. I wrote out a proposal fully explaining the idea and how we would execute it. All our communications were through email and they agreed to give me 1,000 prints and 4 cameras. There were very few stipulations although I did need to sign a contract which asked me to credit Fujifilm for their donation when discussing the project. Fujifilm has been completely hands off about the project – we have had complete editorial control. We discussed editing together a video piece about the project which they may promote via their social media.

How would you suggest photographers pitch companies for sponsorship to optimize their success?
I think it ultimately comes down to having a good fit between your idea and the company’s goals. We didn’t have any personal contacts at Fujifilm and only approached them through email. My husband did however, have a friend who had personal contacts at Samsung. We had always wanted to document the project on video and so we also sent the proposal to Samsung and they donated 2 of their NX1 4k bodies and lenses.

What has been the most challenging aspect of the project? Have you encountered any unanticipated events or situations, good or bad?
There was one place we visited where people were living on the streets and no one wanted their picture taken. We realized that it was an area that was heavily trafficked by tourists and that many people living there were completely jaded by people who came and took their photos without giving anything in return. They were very suspicious of us. Most people we met however, were thrilled to get a picture. We didn’t initially tell people that they were getting a picture. We just asked if we could take the photo and 9 times out of 10 people agreed.

We would ask people if they had photos of themselves and sometimes people who we thought didn’t have photos would say yes. When we probed further we found that they were referring to their voter ID card photos which are standard 1″ by 1″ photos taken against a blue backdrop. One person said she had a photo album and we asked to see it. She brought out a flimsy 5″ x 7″ plastic book with sleeves that held about 15 pictures. This was her family’s entire photographic collection.

We started out taking medium closeup size portraits of people but quickly realized that they would rather have wide shots or shots which included their surroundings or personal items. People also wanted group pictures – photos where they were standing next to their children, or siblings or friends.

When we first arrived at a place and started giving pictures there would be very few people. By the time we left there would be a huge crowd with people clamoring to have their photo taken. Usually the children were the most persistent asking for more than one picture. Sometimes mothers would run home and get their children dressed up in their best clothes and bring them out again to have them photographed.

The challenge now is in sharing the project. We’re gradually finding followers on Instagram who are interested in seeing the pictures. Managing the social media was the most difficult aspect of the project. We were hoping to update the Instagram in real time or at least day by day but we couldn’t get a wifi signal in some of places we visited. We spent about a week trying to set up a mobile hot spot to get access to the web. It was very frustrating.

Have you thought about the sustainability of the project? Or using it as a template for other poor areas of the world that might benefit from a similar project?
Yes! We would love to continue the project and travel to other countries. We realize that giving a photo is not like building a school or a hospital or feeding the hungry. But, I think a photo is something that feeds the soul. So many people we gave photos to said that they would have them framed and put on their wall. It’s hard to know how these images will impact people’s lives but I think we’ve brought some small amount of happiness.

How are you measuring the success of the project?
Personally I think about the sheer joy on the faces of the people we’ve given images to and I feel a real sense of satisfaction. I think ultimately we’d like to see if we can continue the project in other countries with some funding. It would be great to partner with another non-profit or to have Fujifilm help us continue. We were able to get some press coverage in India where people have had a great response to the project. We did an interview with CNN India where they followed us with their cameraman as we gave away photos. I think it would be a great success if we could inspire other travelers to share their photographs whether it’s with an instant camera or a photo printer. The beauty of giving a photo is that it breaks the ice and suddenly you can engage with someone and learn something about their lives.

Lady Gaga, Leonardo DiCaprio, and more pose backstage in official Golden Globes Instagram portraits

Most of the action at the Golden Globes may happen onstage, but as soon as winners and presenters step off the stage at the Beverly Hilton Hotel, they’re ushered into a scene of flashing cameras and press questions. And before they can go enjoy their newly awarded Golden Globe, all winners have to stop by the official Golden Globe backstage studio for a glamorous, dramatic portrait.

This is the second year in a row the Hollywood Foreign Press Association has enlisted the help of Dutch photographers Inez and Vinoodh to capture the night’s biggest winners and presenters immediately after they stepped off stage. Together, the pair photographed everyone from Kate Winslet and Taraji P. Henson to Oscar Isaac and the cast of Mr. Robot.

Kodak is Bringing Back the Super 8 as a Film Camera with Digital Features

While other photo brands are busy announcing their latest and greatest digital cameras, Kodak has a rather unusual unveiling: it’s bringing back the legendary Super 8 camera as a film product with digital features.

“Super 8 is 50 years old. Now it is making a comeback among filmmakers – amateurs and professionals alike,” Kodak tells PetaPixel. “The trend is analogous to the resurgence in interest in vinyl records — an ‘analog renaissance’.”

This new camera is part of Kodak’s broader effort to keep film alive as a medium. A number of major recent Hollywood films were shot on Kodak film — the biggest being the new Star Wars — and 2016 is set to be the year that Kodak’s film business becomes profitable again.

 

The new Kodak Super 8 camera combines classic features with digital functionality. There’s a 3.5-inch swiveling digital viewfinder for framing shots, but those shots are captured on Super 8 Kodak film — each film cartridge contains 50 feet (15m) of film.

On the front of the camera is a fixed 6mm Ricoh lens (or, optionally, a 6-48mm zoom lens). There’s also a job wheel user interface, a built-in light meter, cartridge detection, exposure control, manual speed/iris setting, and charging the battery via a USB wall adapter.

  The process is designed to be as painless as possible from start to finish. Once you’re done exposing the film (at 9, 12, 18, 24, or 25 fps), you send it back to Kodak, which will process it, scan it, and deliver it back to you as a digital copy and as an 8mm film that you can use in projectors.

The process is designed to be as painless as possible from start to finish. Once you’re done exposing the film (at 9, 12, 18, 24, or 25 fps), you send it back to Kodak, which will process it, scan it, and deliver it back to you as a digital copy and as an 8mm film that you can use in projectors.

  The pricing and availability haven’t been finalized or announced yet, but Kodak CEO   Jeff Clarke is saying   that early units should arrive in the fall of 2016 with a price around $400 to $750. Processing and digitizing a film cartridge should cost around $50 to $75.

The pricing and availability haven’t been finalized or announced yet, but Kodak CEO Jeff Clarke is saying that early units should arrive in the fall of 2016 with a price around $400 to $750. Processing and digitizing a film cartridge should cost around $50 to $75.

Kodak doesn’t intend for this new Super 8 camera to be a one-and-done deal — the company has built an entire roadmap and ecosystem that includes a range of cameras, film development services, post-production tools, and more. If this ecosystem does gain traction, then 2016 will be the year that the Super 8 camera was brought back from its long slumber.

EL MERO HECHO DE HACER FOTOGRAFÍA NO TE HACE FOTÓGRAFO” EUGENIO RECUENCO

Source: Workshop Experience

Como ya sabés, los días 14 y 15 de Noviembre tuvo lugar “A WORKSHOP EXPERIENCE WITH EUGENIO RECUENCO ” en La Moraña, Ávila, un entorno natural incomparable. Eugenio Recuenco nos acompañó durante dos mágicos días. Hace unos días os contábamos todo lo ocurrido durante el workshop.

Hoy traemos la entrevista realizada a Eugenio Recuenco durante el workshop. Quisimos contar con Eugenio Recuenco en A Workshop with Eugenio Recuenco porque es un fotógrafo/genio capaz de transportarte a lugares a los que solo la imaginación de un artista puede hacerte llegar y porque crea de cero a cien fotografías como resultado de una narrativa compleja y una escenografía hecha detalladamente a mano.

¿QUÉ TE LLEVA A HACER OTRA VEZ ESTE WORKSHOP?

Lo más desafiante del workshop muchas veces es tener que explicar lo que haces, pero también es cuando te das cuenta de que aunque te pasas todo el día trabajando y haciendo fotos, cada vez las haces de una forma diferente o descubres cosas nuevas, pero no sabes porqué las descubres. Yo creo que en estos momentos, cuando tienes que empezar a contarle a los demás lo que estás haciendo es cuando en cada cosa que haces reflexionas realmente  y esa reflexión te hace darte cuenta de muchos detalles que antes pasaban desapercibidos pero que pueden ser, una vez que te has dado cuenta, un sitio para empezar y dar el siguiente paso.

Decidimos hacer este workshop en exteriores esta vez para cambiar. Para que no fuese siempre la imagen que se tiene de las fotos que hago yo. En este caso estamos experimentando hasta tal punto que es unatécnica que casi no había hecho y me sirve para exigirme delante de la gente que salga bien.

¿HAS APRENDIDO ALGO DE LOS ALUMNOS?

Sí, porque me he dado cuenta del porqué de mis actos y de cómo hago las fotos. También he aprendido de ellos porque muchas veces te enseñan cosas o tienen puntos de vista de la misma fotografía que te abren los ojos cuando estás empeñado en hacer una fotografía en un determinado sitio. Son tantos ojos alrededor que siempre hay ángulos que encuentras en su fotografía y te gustan más.

¿QUÉ SIENTES AL VER GENTE DE OTROS PAÍSES?

Es una satisfacción ver que hay gente de cualquier parte del mundo a la que le gustan tus fotos. Que puedan acceder a ver mis fotos es fácil, pero que le gusten y que hagan el esfuerzo de venir hasta aquí para el workshop, me honra. Al mismo tiempo te mete mucha presión porque, no es que lo vayas a hacer mejor ni peor, pero si que piensas: bueno no solamente son dos días y yo en mi parte voy a explicar todo lo que sé, sino quieres que todo lo que vas a explicar también sea lo que buscaban cuando venían. Entonces eso, no hace ponerte más tenso, pero si te hace pensar: yo hago una foto, ¿pero es esto lo que quieren ver? Pero bueno, es así y además es muy bonito.

ERES EL PROTAGONISTA DE ESTA EXPERIENCIA ¿TE HAS SENTIDO ASÍ?

Sí. Me gusta hacer un workshop porque al final enseñas lo que estás haciendo. Me gusta mucho menos cuando tengo que dar una clase en la que tengo que hablar de mi trabajo porque la sensación que tengo es que me queda mucho por aprender. Entonces sí que notas a todos atentos a lo que has hecho y dices: para mí lo importante es lo que me queda, no lo que he hecho. Y entonces en ese sentido, siempre he intentado huir de tener mucha gente a mi alrededor y ser el centro. De hecho, quiero pasar desapercibido por muchos momentos.

ADEMÁS DE PICTÓRICÁS Y CINEMATOGRÁFICAS ¿CÓMO DEFINES TUS FOTOS?

Al final no creo ni que sean cinematográficas ni pictóricas, yo creo que son, o intento que sean lo máximo posibles, honestas. Es decir, son así porque es lo que he necesitado en estos últimos años en la forma de hacer la fotografía. No ha sido una cosa buscada. Pero no tiene porque ser así en el futuro, es decir, si yo cambiome gustaría que mi fotografía cambiase, porque si no sería haber encontrado una fórmula que intentas alargar y que se separa de ti y eso no es interesante. Yo creo que el adjetivo que más me gusta es que mis fotografías sean honestas.

FOTÓGRAFO ES, ¿EL QUE SE DEDICA O EL QUE HACE FOTOS?

Yo creo que un fotógrafo empieza a serlo en el momento en el que haciendo una fotografía, que es una cosa tan común como hacemos todos, siente algo diferente a solamente captar el momento y perderlo al mismo tiempo. Estamos todo el día con el teléfono intentando capturar algo que no estamos viviendo. Es alucinante la locura de, ¿tú has estado en este sitio?. Porque te he visto en televisión.

El mero hecho de hacer fotografía no te hacer fotógrafo. Yo creo que fotógrafo se es cuando ya sientes o tienes una intención que no sea solamente de una forma un poco irracional, sacar fotografías a todo. En cuanto ya empiezas a sentir que eso es algo que expresas y que sientes lo mismo que cuando haces un dibujo y te sale medianamente bien, te sientes orgulloso de lo que has hecho. Cuando te sientes orgulloso de una foto que has hecho y ves que eso es especial solamente relatando el momento, ya empiezas a ser fotógrafo.

Luego está el siguiente paso que es cuando los demás consideran que eres fotógrafo. Pero eso da lo mismo, yo creo que hay mucha gente que se gana la vida haciendo fotos y no son fotógrafos y mucha gente que es amateur y que son fotógrafos de alma. A partir de que tú sientes algo haciendo fotos, lo demás es innecesario.

¿EXISTE LA FOTOGRAFÍA PERFECTA?

Casi todas las fotos surgen de algo que esta medio soñado, que está en una parte un poco hetérea, intangible, que es la imaginación. Al final la imaginación, cuando casi la vas a coger con tu fotografía da un saltito como una rana en la charca y se va un poquito más allá y te piensas que era mejor, pero tampoco tienes la imagen de lo que es. Es algo inaprensible el decir que siempre puedes llegar a más, pero hay que saber parar y estar a gusto con adonde has llegado, porque si no es un “bichito” demasiado peligroso y nunca terminarías de hacer una foto. Aquí yo creo que podía haber seguido haciendo fotos y podía haber cambiado y podía haber hecho más, pero si no no podríamos hacer la siguiente. Entonces haríamos una foto en la vida.

¿QUÉ VENTAJAS OFRECE UN DSLR DE 35MM?

Cada cámara se adapta a una fotografía que quieras hacer en un momento determinado. Hay muchas veces que lo que quieres es rapidez, ligereza … Hay muchas veces que quieres simular fotogramas que son más cinematográficos, con lo cual necesitas que haya movimiento y esto es algo que no te permiten cámaras de medio formato, que son más pesadas, con unos sensores mucho menos luminosos … Eso te permite captar realmente cuando lo importante no es tanto la puesta en escena sino el momento de captar al modelo.

Poder incluso manejarlas de tal manera que puedes meterte en cualquier sitio sin trípode, es muy interesante. Yo la utilizo mucho.

¿QUÉ TIENE QUE TENER UNA IMAGEN FINAL?

En las fotografías que hago, yo creo que hay dos cosas. Ayer hicimos una primera fotografía y empezamos a entrar un poco en materia. Tenía una foto muy bonita, pero no tenía el concepto. Es decir, hay un momento en que yo noto que la fotografía “se me queda coja” y no cuenta nada. Tampoco hace falta muchas veces contar, sino solamente dar unos puntos suspensivos a la imagen primera para que el que vea la fotografía pueda reflexionar o por lo menos se vaya con una medio sonrisa al pensar que le han tocado un tema concreto. Entonces hay dos facetas que son muy importantes, la parte estética y la parte de concepto.

Ayer veíamos la fotografía “coja”. Creo que al principio me pasó a mi porque no sabía qué tenía que fotografiar. Disfrazaron a una chica, pero sin llegar a contar nada más. Era interesante, bonito, podía ser más sugerente, menos sugerente, pero no contaba nada. En el resto de fotografías que hemos disparado hay un concepto y al final un motivo para hacer una foto. Luego a lo mejor el concepto se pierde, pero había ese afán más cinematográfico.

Hay un personaje en la fotografía que dices,¿cómo ha llegado este personaje aquí? ¿Por qué ha llegado a esta situación? ¿Por qué en este momento exacto de esta historia? Esa es la faceta más cinematográfica cuando dicen que intento contar una historia, ya que en mi fotografía es todo muy escenografiado, muy atrezado y muy medido, justamente intentando romper eso con que haya un verdadero momento dentro de esa historia que es instantánea y que a lo mejor habías perdido de hacer todo tan teatral.